LA PRODUCCIÓN MUSICAL

CONSEJOS PRACTICOS PARA CONVERTIRTE EN PRODUCTOR PROFESIONAL.

Por Alyosha Barreiro

En los últimos meses y en especial a partir de la mesa redonda en la que participé en el “1er Congreso de Música Electrónica”, productores o aspirantes se me han acercado pidiéndome consejos y tips sobre producción, lo que manifiesta una cultura emergente alrededor de la escena electrónica nacional que está interesada, preparándose y cada día generando material más compatible a nivel internacional. Es por eso que en esta publicación arrancamos con ésta sección, donde de manera amable y sencilla te daremos consejos prácticos para convertirte en un profesional de la tornamesa. Hoy abordaremos las piezas básicas que componen el proceso de producción.

En este primer acercamiento sentaremos las bases:

¿QUÉ ES UNA PRODUCCIÓN MUSICAL COMPLETA?

1) LA CONCEPTUALIZACIÓN DE LA PIEZA

Lo primero que tenemos que tener claro es que estamos buscando, para qué vamos a usar el track y qué destino final tiene. Por ponerlo de alguna forma, esto es la intención de la pieza, el aura o feeling que tendrá.

No es lo mismo crear un track para el Dance floor que seguramente tendrá un Kick marcado, un bajo contundente y cadencioso, que un track chillout/lounge el cual seguramente tendrá sonidos más frescos, ligeros y con un beat menos rápido.

2) COMPOSICIÓN

Este punto incluye:

Programación, diseño sonoro, instrumentación, melodía, ritmo y armonía

La razón por la que junto todos estos puntos en el mismo inciso es, que en la forma de trabajo contemporánea los mezcla casi siempre, sobre todo en música electrónica veo que es menor la forma tradicional de componer donde te vas a un piano, escribes todo en un pentagrama y luego la llevas a cabo.

El proceso de composición es muy personal y cada quien tiene que ir descubriendo su camino y sobre todo cómo pueden llegar a un mejor resultado.

En mi caso, yo comienzo creando una base rítmica que incluye un “Kick”, un bajo que no compita con éste y lo ayude a mover la rítmica, “Hi Hats” que logren crear algún juego interesante, aunque éstos generalmente los pongo en el contratiempo rítmico, un “Snare” que va en 2 y 4 del compás, y muy probablemente incluya alguna percusión -tanto acústica como digital- para complementar un sentimiento bailable.

Una vez que ésta se puede sostener sola, que tenga un groove suficientemente pegajoso para poner a bailar al dance floor y sonoramente tenga algo que te envuelva, agrego armonía, melodía, vocales, y cualquier tipo de aderezo que se me ocurra en el momento.

Aquí siempre trato de que la melodía, las letras o rítmicamente tengan algo pegajoso para que el espectador se quede con el track en la mente después de escucharlo.

Para mi es muy importante antes de dar el siguiente paso, sentir que todos los sonidos combinan perfectamente; y hasta no lograr esto no continuo con el siguiente paso, cosa que me he dado cuenta ahorra mucho tiempo y asegura un mejor resultado.

Generalmente éste proceso trato de hacerlo en un loop para ver cómo va a funcionar todo junto y después lo desarrollaré extendiéndolo, editándolo y metiéndole detalles.

3) MEZCLA

La mezcla es el proceso que me lleva más tiempo, ya que considero que la música electrónica en especial, es una combinación de sonoridades más que una mezcla armónica, melódica y rítmica como podría ser el pop o el jazz, así que es muy importante que cuando suene en un equipo casero, en un carro o en un estadio con 10,000 personas éste track funcione a la perfección y todos los sonidos creados tengan la sonoridad deseada.

4) MASTERIZACIÓN

Una vez que ya se tiene un track compuesto, mezclado lo mejor posible y que creemos que ya no podemos mejorarlo en ninguna forma lo “rendereamos” y pasamos a Masterizarlo.

Probablemente es de los puntos más delicados y hay personas que se especializan en solo esto.

Aquí se le da una última pasada al track, comprimiéndolo, ecualizándolo, ajustándole los volúmenes y niveles, logrando sacarle el mayor potencial posible.

5) DISTRIBUCIÓN

Lo primero que hay que hacer es ir a derechos de Autor y registrar la obra, este es un proceso barato y muy sencillo que cualquier productor tiene que acostumbrarse a hacer.

En esta industria es importante ir creando una base de datos con disqueras tanto nacionales e internacionales y hacerse a la costumbre de mandar material nuevo ya que sobre todo al principio esto te hace autosuficiente y te abrirá puertas nacionales e internacionales.

 

MASTERIZACION

¿QUÉ ES LA MASTERIZACIÓN?

La masterización es el proceso final de una producción musical. Una vez que un track es conceptualizado, compuesto y mezclado a la perfección (temas que se cubrirán en próximas ediciones), se le da una última pasada: la masterización, la cual tiene varios objetivos.La masterización corrige los detalles finales; niveles de volumen, detalles menores de ecualización e intensidad de volumen y frecuencia con compresores, procesos que le dan un nivel profesional al track y que usando solo la mezcla no se puede conseguir.En caso de estar trabajando en todo un disco, le da homogeneidad al sonido final; esto consigue que la producción tenga un sentido general antes de mandarlo a maquilar.El masterizador debe tener claro el estilo de música que esta trabajando, para así dar la potencia, profundidad o simplemente una ecualización especial al estilo específico de ese track.La diferencia entre un track masterizado o no, puede ser realmente notorio, y para el músico contemporáneo es fundamental conocer estas herramientas.

OSCAR ZAMBRANO
oscar@zampolproductions.com
http://www.zampolproductions.com

Para realizar este artículo invitamos a Oscar Zambrano, uno de los ingenieros de sonido y masterizadores que entra hace relativamente poco al Mercado, y en su corta carrera ha comprobado ser un gran ingeniero, trabajando en proyectos con artistas como Mariah Carey, Mark Anthony, Jonas Brothers, Fantasia, 50Cent, o proyectos de cine como The Great Debators con Denzel Washington y Forest Whitaker, Righteous Kill con Robert De Niro y Al Pacino, Streets of Blood con Sharon Stone, Val Kilmer y 50 Cent, entre otros.

En el 2004 Oscar y Jorge Castellanos crean con gran éxito Zampol Productions, Compañía dedicada a la mezcla, producción y masterización de audio. Oscar nos dará algunos consejos para realizar el proceso de masterización en nuestras producciones musicales, comencemos:

Masterizar es un proceso que consta de varios pasos. El primero de ellos, es hablar con el artista, productor o ingeniero de mezcla y entender bien el sonido que buscan, detalles que les gustaría arreglar, orden de las canciones en caso de ser parte de un CD, fades necesarios y especificar el formato de archivo que se necesita entregar.

Todos los CD’s tienen una resolución de 44.1 Hz y 16 bits. Esto significa la cantidad de muestras de sonido y nivel de volumen tomadas en un segundo. Aunque todos los términos ya están traducidos al español, usualmente se encuentran en inglés en todas partes, por ello utilizaremos su nombre original.

El Bit Depth se refiere al número de bits que tiene el audio digital. En términos más sencillos, ENTRE MAS BITS, MAS RANGO DINAMICO. Con 16 bits hay 656,536 POSIBILIDADES DE REPRESENTAR LA SENAL.

El Sample Rate es el número de veces que un audio es tomado o sampleado en un segundo. Esto quiere decir que 44,1 tiene 44,100 muestreos tomados en un Segundo.

En mi opinión, no hay ventaja de sonido entre 48kHz y 44.1kHz. Si el resultado final es para CD, hay que convertirlo a 44.1kHz con lo que se pierde un poco la calidad del sonido. La razón es que la matemática que usan los programas para cambiar a esta frecuencia de muestreo es muy complicada y no exacta y se pierde información en el proceso, degradando innecesariamente el sonido.

Una vez que ya se tienen los archivos del CD, es importante escuchar cada tema y poner atención al sonido, que le falta, que tan igual suenan los temas etcétera. Esto ayuda a decidir qué efectos internos o externos usaremos en el proceso, el orden que tendrán y qué cambios vamos a hacer en cada tema.

Es importante saber que cada caso es único y que cada pieza requiere un tratamiento especialmente planeado para ella. Después de mucho tiempo de masterizar, notamos que hay factores que se repiten, y para hacer el proceso lo más sencillo posible les propongo los siguientes pasos a seguir:

ECUALIZACIÓN

Yo primero uso un Ecualizador, que me deja modificar las frecuencias, considero que es una de las herramientas más importantes para masterizar.

Hay varios tipos de ecualizadores pero el más común para realizar este proceso es el paramétrico, por la flexibilidad y precisión que tiene. Es importante tener un ecualizador que pueda hacer cambios pequeños y exactos (0.1db) y que el rango del factor de calidad (Q) sea grande (1.0 - 8.0).

Los cambios deben ser exactos, ya que vamos a modificar el sonido de varios instrumentos, un ejemplo puede ser que queremos modificar la zona de los 1000 Hz, donde tenemos una voz muy baja, pero probablemente en esa zona también se encuentre la tarola, y algún efecto, entonces al modificar la voz alteramos sonidos que no queríamos mover.

Primero, corto las frecuencias que destacan mucho. Esto lo hago usando un “Q” pequeño (2.5-3.5) y una atenuación de no más de 1.0db. Usamos un Q pequeño ya que afectaremos un rango reducido de frecuencias y el cambio se vuelve más sutil. Usamos un Q mas grande (6.0 - 8.0) cuando hay una frecuencia específica que quiero modificar. La razón por la que corto frecuencias primero, es para tener el tema lo más limpio posible, y así poder escuchar bien lo que le hace falta. Muchas veces le faltan frecuencias altas, pero está muy cargado en las frecuencias bajas, por ello en vez de subirle a las altas, corto las frecuencias bajas y casi siempre esto hace que las frecuencias altas se oigan más.

TIP

 

COMPRESIÓN

La compresión es de los temas más controversiales en la ingeniería de sonido en especial en la masterización. Esta herramienta puede arruinar una mezcla y se debe de usar con mucha delicadeza.

El compresor en pocas palabras afecta directamente la dinámica de la señal. Cuando un nivel pasa de cierto punto el compresor atenúa la señal. Es importante tomar en cuenta que no siempre se tiene que usar un compresor. Muchas veces las mezclas ya vienen bastante comprimidas y no se gana nada comprimiendo más.

La compresión se puede usar de varias maneras dependiendo de lo que se necesite hacer. Normalmente yo uso el compresor al final de mi mezcla (two bus compresión o compresión estéreo.) Para hacerlo, pongo el ratio a 2:1 y el umbral bastante alto para que la señal apenas modifique el compresor. Pongo el atack mediano y el release rápido. Lo que esto hace es que los sonidos suenen en un mismo espacio sin que se oiga el compresor y sin quitar dinámicas. Es muy importante tratar de conservar las dinámicas de los temas.

Otro tipo de compresor es el compresor de multibandas. El compresor de multibandas funciona igual que un compresor agregando una característica más, la habilidad de escoger qué frecuencias quieren comprimirse. Este es una herramienta muy útil para masterizar. Si las frecuencias bajas suenan bien pero hay ciertas frecuencias que resaltan mucho (alguna nota en el bajo), podemos comprimir solo esta frecuencia cuando este presente.

Cuando el Ratio (20:1) en el compresor está muy alto se conoce como limitador, es de las herramientas más útiles en una masterización y se usa casi siempre al final de todo para ajustar el nivel y evitar distorsión de la señal.

TIP

Visualmente y auditivamente es muy claro cuando un audio está muy comprimido, ya que la señal se ve muy saturada.
Hay que aprender a ubicar sonoramente y visualmente cuándo se necesita un compresor, para que ésta sea una herramienta útil y no arruine nuestro audio.

 

STEREO IMAGER

Otra herramienta que se usa para masterizar es un “Stereo Imager”, lo que hace esto es que modifica la imagen estéreo del tema. Esta herramienta solo se debe usar si es muy necesario y con mucho cuidado. Es muy fácil estropear un tema si no se tiene cuidado. Hay dos razones por las que yo uso esta herramienta, si la mezcla está muy abierta y no tiene mucho centro o al contrario, si la mezcla no tiene mucha imagen estéreo. Hay que tener mucho cuidado abriendo la imagen, ya que se puede perder el centro muy fácil y el punch de la canción pierde fuerza.

TIP

Lo que generalmente queremos lograr en la música electrónica es, que lo que lleva el track (Kick, Bajo, Snare) estén en el centro y que haya juego en los lados con percusiones, efectos, HH’s

 

Ya que brevemente cubrimos estos efectos veamos el orden y como acomodarlos.

Normalmente yo pongo un ecualizador primero, luego algún compresor, luego otro ecualizador y al final un limitador. La razón por la que pongo un ecualizador primero es para “limpiar” las frecuencias que sobresalen. Esto ayuda a que el compresor y el limitador compriman una señal con un nivel de frecuencias más aceptable. Si comprimimos primero y la señal tiene muchos bajos, el compresor puede bombear afectando el producto final. Si limpiamos esto primero, el compresor va a hacer justo lo que queremos. Lo más importante como lo hemos mencionado varias veces es que los cambios que se hacen sean muy sutiles.

TIP

Por último hay que verificar si se necesita algún fade en la canción para que empiece o termine de forma natural.

 

El último paso es armar el disco. Esto es poner el orden de las canciones y espacios entre ellos.

El CD final debe estar bajo las normas de Red Book, (libro que contiene las especificaciones técnicas de un CD) y debe estar quemado a 1x. La razón de quemar el disco a 1x es que el disco se quema con la menor cantidad de errores.

Es muy difícil encontrar quemadores que realmente quemen a 1x, así que es necesario usar el nivel de quemado más lento. De ser posible se entrega un DDP (Disc Description Protocol) que tiene menos errores que un CD. Este siempre se entrega en un CD Rom o preferiblemente en un DVD para no confundir con un CD.

Una vez terminado todos estos procesos SIEMPRE escúchalo de nuevo y verifica que no hay errores creados a último momento.

 

TIPS FINALES

• No siempre se tiene que usar todos los efectos que uno tiene, hay que usar solo lo necesario.

• Primero hay que limpiar las frecuencias (de preferencia bajar niveles de frecuencias dominantes para que las otras brillen antes de subir niveles que es la tendencia natural) y después empezar a comprimir y hacer ajustes.

• Entre más fuerte suene peor suena!! Si suena muy fuerte, está muy comprimido y esto quita dinámicas y satura la señal. Todo el tiempo y esfuerzo que se pasó mezclando el track, no valió la pena ya que los detalles desaparecen con tanta compresión.

• Si la mezcla suena bien, no hay porque modificar el sonido tanto.